Flowers, Andy Warhol ( 1928-1987 ) Chers lecteurs, après un long moment sans publier de post , me revoici sur le net. Pardon pour ce long silence. C'est le printemps !!!! Et comment, en musique ne pas évoquer Antonio Vivaldi ? Les Quatre saisons sont mondialement connues. quelques fois, un peu trop utilisées pour n'importe quoi: les publicités, les génériques d'émissions, les musique de téléphone, celles d'ascenseur ... C'est fort dommage. En fait, ces concertos sont justes géniaux. Vivaldi avait compris avant l'heure le coté médiatique de la musique. Mais je m'égare. Reprenons les choses dans le bon ordre. Parler du titre: Antonio Vivaldi Vs Max Richter Cela peut sembler un peu anachronique. Un compositeur de la fin 17ème , début 18ème siècle contre un compositeur de nos jours. Nous allons voir que ma petite phrase sur Vivaldi et son côté visionnaire n'était pas sans fondement. Mais dans un premier temps, un peu de musique. Cela fait trop longtemps que je ne vous en ai pas fait écouter. Le printemps des 4 saisons d'Antonio Vivaldi. J'ai choisi la version Radulovitch. J'aime beaucoup ce violoniste. Il représente enfin la musique dans toutes ses acceptions. Plus de barrières. Son touché est incroyable et sa décontraction sur scène est un plaisir à regarder. Bonne écoute. https://youtu.be/RpUgfe1UtDY?si=spI6DYPlD7ctOnvN Joli, n'est ce pas ? Une version un peu particulière. J'aime beaucoup l'introduction. Essayez de le réécouter dehors vous verrez cela prend tout son sens. Antonio Vivaldi ( 1678-1741 ) Comment définir Vivaldi ? Sur sa carte d'identité , on pourrait mettre à métier: Violoniste, compositeur, prêtre, chef d'orchestre, professeur. Il est un des compositeurs qui a apporté le concerto à son point culminant. Violoniste virtuose, il se dirige assez rapidement vers la prêtrise. Né à Venise, sa chevelure rousse lui donne son surnom: le prêtre roux. Certes, il officie durant la messe mais c'est surtout le moyen qu'il a trouvé pour pouvoir faire de la musique tout en étant payé. Il devient le directeur musical du Pio Ospedale della Pietà, l'orphelinat des jeunes filles de bonnes familles, que les parents adultérins ne pouvaient pas garder. Ces jeunes filles reçoivent un enseignement varié: latin, géographie, histoire, danse, couture ( broderie ) , maintient, musique. Vivaldi devient dans un premier temps leur professeur. Puis très vite, il commence à écrire des partions pour orchestre de chambre, à effectif variable et instruments variables. Il a trouvé son orchestre, ses orchestres. Ces jeunes filles vont donc jouer , tout d'abord à Venise puis dans l'Europe, les œuvres de Vivaldi. Elles seront un des facteur de sa réussite. Les 4 saisons en sont un exemple évident. Ecrit pour ensemble d'instruments à cordes frottées et clavecin, ce morceau illustre parfaitement le travail de Vivaldi avec ses élèves. Qu'est-ce qu'un concerto ? C'est une œuvre instrumentale, pour orchestre, qui fait dialoguer un instrument soliste avec le reste de l'orchestre. Il existe toutefois deux types de concerto: celui pour soliste et orchestre le concerto grosso qui fait dialoguer deux orchestres. Vivaldi bien sur ne composera pas que des concertos. Il a à son actif tous genres musicaux: musiques pour orchestre, musique vocale religieuse, musique vocale profane ( des opéras ). Après une carrière brillante à travers toute l'Europe, une protection de l'Empereur Charles VI, Vivaldi tombe dans l'oubli . Il décide de partir de Venise et s'installe à Vienne où il meurt, seul, pauvre. La carrière de Vivaldi n'est pas si exceptionnelle dans l'histoire de la musique. Beaucoup de musiciens ont eu une renommée brillante, des protecteurs, des mécènes, des concerts et bien souvent une fin tragique. Mais Vivaldi fait parti de ces compositeurs qui sont devenus des icones et souvent grâce à une composition. Les 4 saisons sont jouées depuis leur création jusqu'à nos jours. Elles ont inspiré d'autres compositeurs, de tout styles. Elles ont servi à illustrer beaucoup d'autres créations. Ce qui me fait arriver à la deuxième partie de mon titre : Max Richter. Il y a quelques années, jury au baccalauréat de musique ,nous avions au programme une œuvre prénommée: Recomposed Vivaldi . Il fallait bien sur préparer cet examen pour pouvoir interroger les candidats en toutes connaissance de l'œuvre. Ce fut pour moi un grand choc. L'écoute de ce morceau ouvrait de grande perspective sur l'évolution de la musique. Je vous propose, avant de vous en dire plus, de l'écouter. Installez vous bien, dans un bon fauteuil. Si vous pouvez, mettez un casque pour ne pas entendre de bruits extérieurs. Recomposed Vivaldi, Spring 1 , Max Richter https://youtu.be/41IOkVjy3MM?si=xRcEws2RvHoOtJCK Incroyable n'est pas ? On dirait les 4 saisons, mais pas tout à fait. Pourtant quand on réécoute la version de Vivaldi , on se dit que c'est cela. On revient à Richter et non, ce n'est pas tout à fait cela. Mais qu'est ce qui change ? Avant de regarder cela ensemble, un petit mot sur Max Richter. Max Richter ( 1966- toujours vivant ) est un compositeur, musicien germano-britanique. Il travaille principalement sur la musique classique et la musique électronique. Il est rattaché au mouvement minimaliste. Ce musicien défend sa conception d'une musique pluriculturelle et qui serait ouverte sur la musique électronique, pop, qui serait libérée de certains codes et surtout qui viserait un public beaucoup plus large. Il a beaucoup travaillé avec des musiciens comme Xenakis, Luciano Berio. La Deutch Grammophon lui a donné la possibilité d'enregistrer son œuvre sur Vivaldi qu'il travaillait depuis 10 ans à la composition. Il est aussi connu pour travailler avec des réalisateurs de films ou de série, notamment Martin Scorsese dans Shuter Island. Sa musique est souvent fondé sur le principe de répétition d'un motif mélodique ou rythmique qu'il va faire " tourner en boucle " et auquel il peut ajouter une composition originale qu'il aura écrite. C'est ce qui se passe pour les 4 saisons. Un motif mélodique est joué en boucle, on a donc l'impression d'entendre les 4 saisons mais un petit quelque chose dérange notre audition. C'est une composition de Richter. Définition de la musique minimaliste: La musique minimaliste est un courant de musique contemporaine apparu dans les années 1960 aux États-Unis, qui représente une part importante de la musique classique de ce pays. En France, le courant est fréquemment appelé musique répétitive, et désigne plus spécifiquement l'ensemble des œuvres utilisant la répétition comme technique de composition. Les principaux compositeurs de musique minimaliste sont La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, et John Adams. L'œuvre considérée comme fondatrice du minimalisme est In C de Terry Riley, composée en 1964. La musique minimaliste est parfois désignée sous l'étiquette plus large de musique postmoderne. Aujourd'hui, cette façon de composer est reprise par bon nombre de groupes. Aussi bien dans la musique dite classique contemporaine que dans la musique dite de variété. Des groupes comme Cinématic opéra, Grand Brothers, Eternal et bien d'autres sont connus du grand public comme par les mélomanes. Leurs compositions servent dans des génériques, des publicités dans des films ou séries. Je n'ai pas déjà dis cette phrase ? Et oui, la roue tourne sans forcement être la même. Voici des morceaux de ces jeunes groupes . Je suis certaine que vous en avez déjà entendu : Blood flow, Grand Brothers, arte concert, live https://youtu.be/yoiZWREHZo0?si=PHQZC03HioFpvPsr Arrival of the Bird, Cinématic Opéra https://youtu.be/SIRubS4h-RE?si=S8IASfvb4p7TLhUd Eternal Eclipse, Cosmic Entropy https://youtu.be/SIRubS4h-RE?si=S8IASfvb4p7TLhUd Voilà chers lecteurs, je crois que je vous en ai dis assez pour cette fois. Vous m'aviez manqué. Il fallait fêter l'arrivée du printemps avec de la musique. Au fait, dans l'idée d'une recomposition, d'une réutilisation d'une œuvre, je vous ai mis en illustration du post, Flowers d'Andy Warhol. Celui ci a créé une série de sérigraphies sur ces fleurs . En premier lieu, elles avaient été prise en photo par Patricia Caulfield ( 1932-2023 ). Encore un détournement. Bonne écoutes et regardez les petits plus, il peut y avoir des petites surprises. A bientôt. PETITS PLUS Patricia Caulfield Vs Andy Warhol New York Times, article de septembre 2023 Patricia Caulfield, 91 ans, décède ; S’est battue contre Warhol sur l’utilisation de sa photographie - The New York Times (nytimes.com) Spring 1 Max Richter in Bridgerton, 1ère saison https://youtu.be/d7Ui-XZsYNQ?si=a7J8EkXUY1GsSacI Dune, Hans Zimmer, live https://youtu.be/_j5GgGdSwjE?si=wk9bm4ynwbXJ2UZ_ Recomposed Vivaldi Max Richter ( album complet ) Recomposed By Max Richter: Vivaldi, The Four Seasons - YouTube Nature of the day light, Max Richter ( enregistrement avec l'Auteur ) https://youtu.be/b_YHE4Sx-08?si=GznAIj444QTpien8 Les 4 saisons, Vivaldi ( version Radulovich en entier ) https://youtu.be/v0EnvNYcpmk?si=-QR897rbIoL0vbZe

L'année du Dragon de Bois Chers lecteurs, le Monde va fêter le nouvel an Chinois demain, le 10 février. Cette nouvelle année est celle du Dragon de bois. Le dragon est l'un des douze signes du Zodiaque chinois. Il est associé à des traits de personnalité tels que le courage, la confiance en soi et la vitalité. Le calendrier chinois est à la fois lunaire et solaire. Le calendrier prend en compte à la fois les cycles lunaires et les positions du soleil dans le ciel pour déterminer les dates des fêtes et des évènements . Le calendrier peut être composé de 12 ou13 mois lunaires mais il est aussi ajusté pour suivre les saisons en ajoutant occasionnellement un mois supplémentaire appelé " mois intercalaire " pour maintenir l'alignement avec le calendrier solaire. De fait, les fêtes traditionnelles chinoises telles que le Nouvel An tombent aux mêmes saisons chaque année. Les couleurs sont aussi très importantes. Le Dragon de bois verra les couleurs associées au bois tels que le vert, le marron qui peuvent être propices. Dans de nombreuses régions en Chine, il y a des défilés, des danses du lion et du dragon, des expositions d'artisans . Bien sur la danse et la musique qui sont associées depuis les temps immémoriaux y ont une grande part. La musique est très importante en Chine. Instrumentale à ses origines utilisant plutôt des tambours en bois pour les tambours, du bambou pour les vents et de la terre cuite pour les percussions , puis le bronze pour les cloches, elle devient très vite vocale retraçant les contes et légendes de la Chine antique. Elle reflète également les pratiques religieuses dans " le livre des odes " et le " Shijing " de Confucius ( 6ème siècle avant JC ). Elle met en scène la dualité entre le Ying et le Yang. Très tôt la musique et la danse sont institutionnalisées. Au 2ème siècle, le Bureau de la Musique est créé," Yvefu ", pour collecter toutes les formes de chant et musiques de l'Empire Han. C'est à partir 7ème siècle, que la dynastie Tang fonde l'académie musicale de Jiaofang " jardin des Poiriers ". L'opéra prend très vite une place prépondérante dans le cœur de la population. Assez compliqué pour les européens, l'opéra reflète à la fois le quotidien des chinois mais aussi le merveilleux des contes et légendes, la sagesse des la religion et le respect pour les différentes dynasties. Tout y est codifié: les costumes, les masques, les maquillages, les expressions du visage, les décors, les postures des chanteurs et des danseurs. La population n'hésite pas pendant les représentations à participer vocalement à l'action qui se déroule sous ses yeux. Contrairement à l'opéra européen, où aucuns bruits ne doit gêner le déroulement de l'action et du chant, créant ainsi une sacralisation de cette forme, l'opéra chinois, bien qu'extremement respecté, revête plutôt une forme populaire et participative. You tube: Légende chinoise de l'opéra: l'acteur Mei Lanfang ( 1930 ) https://youtu.be/K8xzXfWQxa0?si=0ELQrtPWouB_FLP_ You tube: A taste of Chuanju ( Sichan Opera ) https://youtu.be/y0vgCTmQugY?si=_v7dIOiPQ2zYgsa0 You tube: La danse du Roi Singe, Troupe Mei Lanfang https://youtu.be/rtNwCX_MNtA?si=5SJztm4Q0HCwjGoa On trouve bien sur la musique et la danse dans toutes les fêtes en large place. Les instruments à percussions sont largement utilisés: tambours, crecelles, hochets. You tube: Ensemble de percussion de l'opéra de Beijing https://youtu.be/Vi5Od_6quxQ?si=ummMw3SbjgsFD3qK You tube: Musique pour percussion chinoise: Le tigre grince des dents https://youtu.be/mSJrIcxvzpk?si=Yvb9twNcfr6V_Ch3 Mais aussi les instruments à vents: sifflets, flutes . Les instruments à cordes frottées et pincées sont plus utilisés pour l'opéra et la musique vocale accompagnée de cour. Luth Pipa You tube: Hangong qiu yue ( " Lune d'automne sur le palais des Han " ) : Vièle Erhu Sheng orgue à bouche https://youtu.be/aX9AzDYaVz0?si=Dn3GoyfX-xa9n5JO Sheng, orgue à Bouche You tube: Yu lin ling ( " Longue averse sur la cloche " ) Musique de la dynastie Tang. Hautbois Guanzi et orgue à bouche Sheng https://youtu.be/Hz6Aw0cXug4?si=AsDeObE7agk0otsn You tube: Yizu wuqu ( " Danse des Yi " ): Pipa et cithare https://youtu.be/aX9AzDYaVz0?si=Dn3GoyfX-xa9n5JO Cithare Chinoise Chers lecteurs, bonne année du Dragon. J'espère que vous allez bien profiter de ces quelques extraits. Je reviendrai sur la musique chinoise qui est si passionnante. Petits plus: Gallica : Fêter le nouvel an lunaire au son des musiques chinoises: Fêter le nouvel an lunaire au son des musiques chinoises | Le blog de Gallica (bnf.fr) La Philharmonie de Paris: Philharmonie à la demande - Musiques de Chine (philharmoniedeparis.fr) Noms de instruments chinois: Liste de 23 instruments traditionnels chinois (noms, types) - Let's Chinese (letschinese.com) You tube: un enregistrement très agréable, le pianiste Lang Lang et son père au Carnegie Hall https://youtu.be/fyJemf8hwkU?si=HK6eBOjVPatRO80-

Der Blaue Reiter, Franz Marc, 1911, Huile sur toile, Städtische Galerie im Lembarhaus, Munich. Chers lecteurs, J'espère que la petite playliste vous aura plu. Aujourd'hui nous allons aborder un sujet un peu difficile et qui sera en plusieurs épisodes. Difficile pour plusieurs raisons : La musique que vous allez entendre n'est certes pas celle que l'on pourrait entendre à la radio, ni à la télévision, ou alors à des heures très tardives. L'art qui va être évoqué, est depuis quelques années un peu plus connu et apprécié mais reste tout de même souvent destiné à un public averti ou tout du moins curieux. La littérature reste elle aussi quelques fois obsolète et notamment la poésie. C'est le Symbolisme. L'art de vivre à cette époque est un fin mélange entre positivisme absolu et dépression à l'évocation d'une guerre prochaine. Mais voilà, l'Expressionnisme est un moment suspendu dans l'histoire des arts et qui va permettre à bon nombre d'artistes modernes de pouvoir enfin créer avec plus de liberté et avec des outils nouveaux. Comment ne pas l'évoquer avec vous ? J'ai eu la chance dans mes études d'avoir un grand professeur en Licence qui m'a fait découvrir ce courant artistique, cette musique. Monsieur Weber était un passionné. Son cours en fin d'après d'après midi était un de mes cours favoris. Je ne pourrais jamais assez le remercier pour cette découverte qui a changé toute la perception que j'avais de la musique. Il arrivait, toujours de sombre vêtu, à pas feutrés. Nous étions nombreux dans un tout petit amphi de la Sorbonne. Les lumières du jours entraient avec parcimonie et les lumières des néons n'étaient pas beaucoup plus violentes. Il montait sur l'estrade, les mains dans le dos . Nous saluait et commençait son cours. Sa voix était douce et lancinante. " Sotto voce " . Deux heures intenses où nous entendions des musiques de Schönberg, Berg, Webern. Où il nous montrait des tableaux de Kandinsky, Marc, Shiele, Klimt et bien d'autres. De cette année de licence, en Expressionnisme Allemand, j'ai retenu que je ne pourrais jamais expliquer la musique moderne, classique ou de variété sans la faire découvrir à mes élèves . Aujourd'hui, c'est à vous que je vais essayer de l'expliquer. S'il vous plait, faites l'effort d'écouter, de voir, de lire jusqu'au bout. Même si cela n'est pas simple. Après vous ne verrez plus jamais les tableaux, écouterez la musique de la même façon. Voici donc la première partie de cet Expressionnisme allemand: Schönberg et la musique Atonale. [ ...] "J'aspire à: une libération complète de toutes les formes de tous les symboles de la cohérence et de la logique. Donc : [ ... ] En finir avec l'harmonie comme ciment ou comme pierre à bâtir une architecture. L'harmonie est expression et rien d'autre. En finir avec les partitions interminables qui pèsent des tonnes; [...] La musique doit être brève. Concise ! En deux notes: non pas construire, mais "exprimer" !!. Et le résultat que j'espère: pas d'émotions stables, stylisées et stériles. " Lettre d'Arnold Schönberg à Ferruccio Busoni, le 15 ou 18 Août 1909 Et bien voilà résumé de ce qui va nous intéresser plusieurs fois dans ce blog. On a du mal à imaginer que le compositeur qui écrit cela vit à la même époque que la Vienne des empereurs et de la valse viennoise. Et pourtant c'est le cas. Pour ceux qui sont déjà allés à Vienne, c'est ce qui surprend le plus : une multiplicité de styles, de genres, cohabitant sans jamais se heurter. Vienne est une ville merveilleuse qui exsude la création artistique. A coté d'un bâtiment néobaroque vous pouvez trouver un autre d'Art Nouveau. Le palais de Schönbrunn est un petit Versailles à l'Autrichienne. Mais pas très loin on peut voir les constructions d'Otto Wagner ( rien à voir avec le compositeur ) où ses compositions reposent sur l'économie de couleurs, le dialogue du bronze du blanc et du doré. L'Eglise Saint-Leopold à Steinhof (Vienne),1904 à 1907, Otto Wagner. Palais de la Sécession, Joseph Maria Olbrich, 1898, Vienne Les artistes de tous bords ne veulent plus de cet art exubérant , aux décorations dégoulinantes des balcons, des peintures représentant des bals où les femmes portent des robes à crinolines, des musiques tellement denses qu'on n'arrive plus à entendre la mélodie. Les artistes font alors Sécession. Un art nouveau en résultera. Plus pur, aux formes et aux lignes épurées, aux décors géométriques, avec peu de couleurs, aux musiques directes dont on va chercher le moyen de s'exprimer par un nouveau langage, une mode plus stylisée mais plus moderne. C'est à ce moment qu'Arnold Schönberg décide d'appliquer ce qu'il avait écrit dans sa lettre à Busoni. On peut considérer Schönberg comme un compositeur presque autodidacte. Il n'aura eu dans tout son apprentissage qu'un seul professeur, Alexander Von Zemlinsky. C'est avec lui qu'il apprend le contrepoint, l'art de l'écriture musicale . Avec lui, il grandit sous l'influence de Richard Wagner et de Johannes Brahms. C'est une musique romantique et post romantique, bien loin de celle qu'il va composer. Néanmoins ces influences se ressentent dans une de ses première grande composition: les Gurrelieder , " les chants de guerre " You tube: Gurrelieder, Schönberg https://youtu.be/FXhAtBT57zA?si=wHngaXbV668LhH7_ Puis, il se tourne vers la musique française du début de siècle avec Claude Debussy. Il apprécie le " flottement " harmonique de Debussy. Cette volonté de ne plus savoir vers où on va réellement. C'est avec Das Buch der hängenden Gärten, " Le Livre des jardins suspendus " de 1908, sur des poèmes de Stefan George que Schönberg se détache de la tonalité. You tube: Das Buch der hängenden Gärten , Schönberg https://youtu.be/BShmosZUML4?si=32lKomktejmYO4xf Définitions musicales : C'est à ce moment qu'il nous faut aborder un peu de définition musicale. ( Je vous avais prévenu, cela va être un peu difficile. Pardon pour les musiciens qui lisent ce blog , vous savez ce que je vais aborder. Je vais donc faire aussi simple que possible ) Jusqu'au 20ème siècle, la musique est principalement tonale. On utilise depuis la fin du Moyen Age des modes Majeur ( plutôt joyeux ) et Mineur ( plutôt triste ). Le système tonal fonctionne à partir de ces deux modes. exemple de musique Majeur: Le beau Danube Bleu, Strauss https://youtu.be/YzdAI3kseTg?si=UJcFXzEmmV2_t5-X exemple de musique Mineur: La symphonie fantastique Berlioz, 5eme mouvement , nuit de Sabbath https://youtu.be/cao6WyF-61s?si=sE5Bnjo5A2svjL1M Bien sur, dans la musique , on peut passer du Majeur au Mineur et inversement. Dans la musique de Schönberg, Il n'y a plus ni Majeur, ni Mineur. C'est ce que l'on appelle: l'Atonalisme. S'en suit une volonté de faire ressentir juste " l'expression " des sentiments dans la musique. C'est ce qu'on appelle " l'Expressionnisme Allemand ". ( Ouf ! Je crois que je ne peux pas faire plus simple ..... Mais je sais aussi au combien c'est difficile pour des personnes qui ne sont pas musiciens. ) Cet expressionnisme Allemand va se rattacher au Sécessionnisme Viennois dont nous avons parlé au début de ce post. Une nouvelle façon de composer, d'exprimer ses sentiments . Non pas par une mélodie joyeuse ou triste mais par une approche sensitive de la ligne musicale. Schönberg a changé à ce moment le cour de l'histoire de la musique. Aujourd'hui, il nous semble tout à fait normal d'entendre des musiques qui n'ont pas vraiment de mélodie que l'on pourrait siffler dans la rue. Ou une atmosphère impalpable. Mais il aura fallu tellement de temps pour arriver à ce résultat. Un de mes élèves, fan absolu de rock et de hard rock, m'a dit à la fin du cours sur l'atonalisme qu'il comprenait enfin les musiques qu'il affectionnait. J'ai trouvé cela touchant que cet hommage à Schönberg soit rendu. C'est avec un morceau emblématique de Schönberg que nous allons finir ce post. Dans l'année de mes cours pour les troisièmes, je vous avoue que ce morceau était pour moi un moment de grâce. La plupart de mes élèves étaient des auditeurs assidus du rap. Normal, j'en écoute aussi . Mais c'est à ce cours que je leur donnais du grain à moudre pour le reste de l'année. Alors , vous allez faire comme eux: tout d'abord vous allez écouter le Pierrot Lunaire, opus 21 de Schönberg sur des poésies de Albert Giraud. Ce morceau a été composé en 1912. Puis vous allez essayer de trouver qu'elle est la particularité du chant. Allez, je compte sur vous pour ne pas tricher. You tube : Pierrot lunaire Schönberg https://youtu.be/7vM4B1fNTQ8?si=pRx_Vpl4bozCbPwf Autoportrait, Arnold Schönberg, vers 1910 Regard, mai 1910, Arnold Schönberg Bien, j'espère que vous n'avez pas triché. Alors qu'en pensez vous ? Bizarre cette façon de chanter. Enfin peut-on parler de chant ? Un peu, mais aussi du parlé. Du parlé chanté, du chant parlé ... Cela ne vous rappelle rien ? Et c'est à ce moment qu'enfin, je pouvais expliquer vraiment à mes élèves que toutes les musiques d'aujourd'hui prenaient leurs racines dans le passé. Et oui : cette façon de chanter se nomme le " Sprechgesang " ( parlé chanté ) et est un des ancêtres du Rap. Je leur passais alors un enregistrement d'une grande chanteuse allemande qui a fait ses débuts dans l'opéra lyrique mais qui a ensuite opté pour le hard rock: Nina Hagen You tube Naturträne, Nina Hagen https://youtu.be/ZXZNfxkno6U?si=czYgXY5AQFxto1wt Voilà chers lecteurs, je vous laisse sur ces quelques notes. C'est le premier chapitre d'autres post sur cette période très riche. Bonnes écoutes. A bientôt pour une petite nouveauté. Petits plus : Albert Giraud Pierrot lunaire (livre) — Wikipédia (wikipedia.org) Otto Erich Hartleben — Wikipédia (wikipedia.org) Pierrot lunaire Pierrot lunaire — Wikipédia (wikipedia.org) Otto Wagner Otto Wagner — Wikipédia (wikipedia.org) Sécession viennoise Sécession viennoise — Wikipédia (wikipedia.org) L'expressionnisme au cinéma: Expressionnisme allemand dans les films : cours de cinéma (devenir-realisateur.com) L'aventure du Cavalier Bleu ( émission sur France 2 ) https://youtu.be/gKPOEI7lT_M?si=cytVFMxe9PAOM2rL Franz Marck et auguste Macke: l'aventure du cavalier bleu ( teaser de l'exposition l'Orangerie ) https://youtu.be/95WX5qh_XeI?si=D1oTfBIuWTHf8tH5

Chers lecteurs, Avec ces grands froids, il m'est venu l'idée de vous faire une petite playlist que vous pourrez écouter à l'envie, avec un carré de chocolat, une bonne tasse de thé, un beau fauteuil et un plaid bien douillet. N'oublions pas le livre qui va bien et nous avons le moment inoubliable. Je vais vous donner le nom des chansons et des artistes et vais vous mettre la référence You tube. Comme cela vous n'aurez plus qu'à cliquer dessus. La playlist : La ritournelle, Sébastien Tellier https://youtu.be/crblDrrcunQ?si=oWVeXT_r7ImTk0rs Les gnossiennes d'Erik Satie https://youtu.be/y7kvGqiJC4g?si=tNMEdNeouzEjgY2X Arrival of the bird, Cinematic orchestra https://youtu.be/MqoANESQ4cQ?si=inMmrqKsBoEQBR04 Concerto pour clarinette et orchestre , Wolfgang Amadeus Mozart https://youtu.be/CvN-9lacnvs?si=O0L5ZvCIHeNmCNze Come again, John Dowland https://youtu.be/i53w6krJvDU?si=-6WoJiyBqMYXl-QP Une petite pépite, voici une autre version : https://youtu.be/xMDURI-mumI?si=MYWwgeTq1DJ04xBq If I told you that, Withney Houston et George Michael https://youtu.be/xMDURI-mumI?si=MYWwgeTq1DJ04xBq Willing and able, Prince https://youtu.be/3Apk2Qr9yVc?si=pxZfS_I-QNUp3WKv Voilà chers lecteurs, je pense que cela va vous occuper quelques bons moments. Belles écoutes et à bientôt.

Molière et les caractères de ses comédies, Edmond Geoffroy ( 1804-1895 ), 1857, huile sur toile, Paris, Comédie Française ( je vous invite à regarder grâce au lien la toile expliquée: Molière et les caractères de ses comédies | BnF Essentiels ) Frontispice de l'édition de l'édition de 1682 La comédie ballet sous toutes ses formes. Chers lecteurs, nous voici donc dans une nouvelle année. J'ai trouvé intéressant de vous parler aujourd'hui du siècle de Louis XIV et plus particulièrement de la comédie ballet. J'ai choisi pour l'illustrer le Bourgeois Gentilhomme de Molière pour le texte et dont la musique est de Lully. Techniquement parlant : Genre créé par la collaboration de Jean Baptiste Molière et Jean Baptiste Lully, la comédie ballet met en scène une succession d'actes et de scènes où les ballets, les airs chantés s'intercalent dans le texte parlé. C'est un genre dramatique, musical et chorégraphique. Elle traite de sujets contemporains au siècle de Louis XIV et montre la plupart du temps des personnages ordinaires de la vie quotidienne, nobles ou du peuple. Sa première apparition à lieu en 1661 pour les Fâcheux, écrit par Molière. Un peu d'histoire : En 1661, Lully est nommé surintendant de la musique royale, l'équivalent d'un ministre de la musique, et naturalisé français par Louis XIV. Lully est d'origine italienne. C'est la Grande Mademoiselle, Duchesse de Montpensier, qui le fait venir par l'entremise du Duc de Guise, en France. Elle a été exilé par son cousin Louis XIV, qui n'a pas beaucoup apprécié sa participation aux évènements de la Fronde, dans son château de Saint Fargeau dans l'Yonne. Là, elle s'ennuie et malgré la troupe des comédiens de son père, Monsieur, elle veut un musicien qui la divertira. De Guise lui rapporte donc un petit violoniste italien, Jean Baptiste Lully. Elle le trouve fort distrayant jusqu'au moment où elle le trouve dans les cuisines du château à se moquer d'elle en musique. Chassé, Jean Baptiste Lully décide de monter à Versailles où il est très vite remarqué par Louis XIV et devient indispensable au Roi pour la bonne exécution de la musique au palais. Sa musique rythme désormais les fêtes, les messes, les naissances, les victoires, la chasse.. En 1664, Lully collabore au Mariage forcé de Molière. La musique doit se mêler au texte, ainsi que la danse. Débute une collaboration de huit ans où tout ne sera pas sans heurts ni réconciliations. Les deux Jean Baptiste créent alors un genre mêlant le théâtre, la pantomime, la danse, la musique, le chant : c'est la comédie Ballet. Jean Baptiste Lully, Pierre Mignard, huile sur toile, Musée de Condé, Chantilly, France Jean Baptiste Poquelin, dit Molière, Pierre Mignard, Paris, Bibliothèque de la Comédie Française. Le Bourgeois Gentilhomme : Fait en 1670 pour les Divertissements de sa Majesté Louis XIV à Chambord, est représentée pour la première fois au théâtre du Palais Royal, à Paris, la même année par la troupe du Roi . Louis XIV désire une " turquerie" qu'il commande à Molière et à Lully et Beauchamp pour la danse. Le thème de la pièce serait venu d'après une réception à Paris puis à Saint Germain en 1669 du premier ambassadeur de Turquie, Suleiman Aga, lequel n'était que le jardinier du sérail . Louis XIV reçoit l'ambassadeur Mehemet Reza-Bey dans la galerie des glaces, Antoine Coypel, RMN, Château de Versailles. ( Il s'agit ici de la 2eme visite de l'ambassadeur ) Molière écrit sa pièce dans sa maison d'Auteuil. Il y voit tout de suite des ballets et de la musique. C'est une pièce qu'il veut fastueuse et la mise en scène coute à l'époque près de 50 000 livres, qui est une somme considérable. La musique de Lully répond bien aux fastes de la cour de l'Orient. L'orchestre baroque est au complet: toutes les familles d'instruments sont utilisées. C'est une musique rythmée et souvent enjouée. Les costumes pour les ballets représentant les turques sont somptueux. Tout cela coute bien sur beaucoup d'argent. La légende veut que le Roi et la cour boude au départ et pendant quatre jours la pièce. C'est totalement faux : dès la première représentation le Roi et la cour sont séduits. L'histoire ne dit pas si le Roi, fin danseur, est venu danser un des ballets de la pièce. Le Mercure Galant, le " journal " de la Cour, n'en fait pas mention. Résumé de la pièce: Monsieur Jourdain, un bourgeois enrichi, rêve de devenir un gentilhomme. Il se laisse tromper par des maitres de musique, de danse,de philosophie et d'armes qui profitent de sa naïveté et surtout de sa vanité. Monsieur Jourdain tente aussi de marier sa fille Lucile à un faux marquis. Celle ci est amoureuse de Cléonte. Grace à celui ci et à l'entourage de la famille, la supercherie est déjouée. Et la pièce se finie bien. La musique: Beaucoup de morceaux du Bourgeois Gentilhomme sont célèbres. Voici plusieurs extraits qui vont vous permettre d'entendre la richesse de la musique de Lully: La marche pour la cérémonie des Turcs : https://youtu.be/ttQ9MOPhzxQ?si=qhGxUrfW80Hp0rjE Extrait du film Tous les matins du monde: https://youtu.be/ScyTHuKDCFc?si=lUWESK35zpJVRkZS Extrait du film Le roi danse : https://youtu.be/OO2HBhwk05g?si=m6vvG6qq_HSC0GuV Dialogue en musique tiré du bourgeois gentilhomme : https://youtu.be/SrezUgLIyVk?si=kZAShp0V7-nAkKJP Le mufti et le chœur des turcs: https://youtu.be/nwRlWdBI78I?si=V48nBiOv002-poQ3 Petits plus : Pour ceux qui aimeraient voir la pièce en entier voici la référence sur You tube de la pièce filmée avec Christian Clavier https://youtu.be/PZ5KSN9uWV4?si=lHi3OhzkmX8TdvhR A lire: Article de la Bnf essentiel, Jean Baptiste Lully Jean-Baptiste Lully | BnF les essentiels ( Le passage sur Lully à Saint Fargeau n'est pas exact. Lorsque j'ai travaillé pour ma maitrise sur la Grande Mademoiselle à Saint Fargeau, j'ai découvert que c'est bien le duc de Guise qui lui avait rapporté Lully, mais pas à Paris. C'est bien à Saint Fargeau qu'il est arrivé. Et ce n'est pas Lully qui lui a demandé son congé mais la Grande Mademoiselle qui l'a congédié ). A écouter : Le top Cinq de Jean Baptiste Lully, Radio france TOP 5 Jean-Baptiste Lully (1632-1687) (radioclassique.fr) Voilà chers lecteurs, j'espère que je n'ai pas été trop longue. la musique Baroque est ma spécialité. J'aime cette musique qu'on a souvent décrite comme étant celle des spécialistes. Je ne suis pas d'accord: c'est une musique qui parle à l'âme et au cœur. Certes, elle est fine et souvent compliquée. Mais en l'écoutant sans préjugés, vous verrez qu'elle apporte de la joie et de la sérénité. A bientôt pour un nouveau voyage musical.

Chers lecteurs, Permettez moi en cette nouvelle Année 2024 de vous présenter touts mes vœux de bonheur, santé , joie et bien sur, beaucoup d'art. Je tiens à remercier tous ceux qui me suivent mais aussi ceux qui se sont abonnés à la Newsletter. Cela me permet de pouvoir vous envoyer des éléments si vous me posez des questions ou si vous avez des demandes particulières. Surtout n'hésitez pas. Maintenant que les agapes sont presque terminées, il va falloir que je vous envoie un post. A très vite. Musicalement votre, Véronique Nicole

Un conte pour enfants ? Un conte de Noël ? Un conte pour adultes ? La vérité sur Pierre et le loup. Chers lecteurs, Nous voici à quelques jours de Noël. J'ai bien réfléchi à ce que je pourrais vous faire entendre: Un choral de Bach? non, trop bateau; Un ballet de Tchaïkovsky? non, tout le monde attendait Casse Noisette. Et puis, je voulais que tout le monde puisse se retrouver dans ce moment musical, le partager . En regardant dans ma bibliothèque, mes yeux se sont portés sur le conte de Pierre et le loup de Serge Prokofiev. Oui, pourquoi pas? Nous l'avons tous entendus une fois au moins dans notre vie. Souvent sans savoir qui l'avait écrit. Juste, en regardant des grands cartons que la maitresse nous montrait en mettant la musique. Juste pour nous faire découvrir les instruments. Oui mais voilà, Pierre et le loup, c'est bien plus que cela. Et c'est là qu'est la force de ce morceau. Un peu d'histoire : Revenons un peu sur l'époque. Pierre et le loup a été écrit en 1936. C'est un conte russe. A ce moment, la constitution soviétique est adoptée le 5 décembre. Elle se nomme la "Constitution Staline" qui redéfinit le gouvernement de l'Union Soviétique. Staline a tout a fait compris l'importance des arts pour transmettre son idéologie. La musique en fait partie. Les compositeurs ne sont plus libres d'écrire comme bon leurs semblent. La solution: s'exiler ou se taire. Au mieux , rentrer dans la ligne du parti et accepter de faire de la musique de propagande. Serge Prokofiev (1891-1953) a choisi depuis 1918 de partir à l'étranger. Tout d'abord pour des concerts, mais très vite, il s'installe à Paris en 1929 avec sa femme Carolina Codina, une soprano d'origine espagnole et franco polonaise. Prokofiev est décrit comme un homme excentrique dans son habillement. En costume de couleurs vives, des chaussettes de couleurs, il reste toutefois assez élégant. C'est un dandy . On le voit souvent aux terrasses de café, lisant ou écrivant de la musique. Néanmoins, la Russie lui manque. Il supporte de moins en moins l'exil. Après quelques concerts en Europe et aux Etats Unis, il décide de revenir en Union Soviétique. Il revient en 1930. D'abord mal accueillit par ses pairs qui lui reproche un " style bourgeois " . Au bout de sa troisième tournée de concerts, le gouvernement lui promet un appartement à Moscou, une voiture et une Datcha. Il décide alors de rentrer au pays mais ne sera résident permanent à Moscou qu'en 1936. Nathalia Sats, directrice du Théâtre Central pour enfants de Moscou lui demande d'écrire un conte à vocation d'éducation des jeunes enfants: faire découvrir les instruments de l'orchestre. Prokofiev écrit donc ce conte philosophique symphonique de Pierre et le loup. Le livret proposé à Prokofiev ne lui plait pas. Il décide donc de l'écrire lui même en s'inspirant des contes folkloriques russes. La première a lieu le 2 mai 1936 au Théâtre Central pour enfant de Moscou. Il choisit d'écrire une histoire simple: Le petit Pierre qui vit avec son grand père va affronter le grand loup. il est accompagné par un chat, un oiseau et une cane. Les chasseurs l'aident pour transporter le loup. Pierre est porté en triomphe à travers le village. Chaque personnage est représenté par un instrument: Pierre, les instruments à cordes frottées L'oiseau par la flute traversière Le chat par le hautbois La cane par la clarinette Le grand père par le Basson Les chasseurs par les timbales Le loup par le cor. ( à vous de relier les bons instruments aux bons personnages ) A chaque fois qu'il y a une transition, l'orchestre symphonique prend le relais. Le petit Pierre est la représentation du petit garçon russe: la chemise blanche ou rouge ( selon les éditions ), le pantalon prit dans les bottes noires, un fusil à bouchon. C'est lui qui est le plus courageux et qui attrape le loup. (Le loup était censé représenter les ennemis du pouvoir soviétique, en particulier les Etats Unis.) Staline avait mandaté Nathalia Sats auprès de Prokofiev pour que celui ci écrive un conte à la gloire de l'Union Soviétique. Celle-ci a réussi à convaincre Prokofiev sans vraiment lui dire le but de cette commande. Néanmoins, le résultat entrait parfaitement dans les souhaits de Staline. Les suites : En 1946, la firme Disney achète les droits de Pierre et le loup pour en faire un dessin animé. Le conte est un peu changé: la cane ne meurt pas et n'est pas entendue dans le ventre du loup. Elle a simplement réussi à lui échapper. Le loup est beaucoup plus terrifiant. Il est représenté avec des dents très grandes, la bave coulant de sa gueule. Pierre est plus russe que jamais. La musique reste la même évidemment. Bien sur, Disney entreprend la publicité du conte. Un livre disque est créé. Des petites figurines aussi. Bref, comme à son habitude, un marchandising se met en place. Le capitalisme dans toute sa beauté. Pierre et le loup est alors bien loin des idéologies de Staline. Pierre et le loup va être un succès mondial. Il sera traduit dans plusieurs langues. En France, des grands comédiens racontent l'histoire : Bernard Giraudeau, Valérie Lemercier, Peter Ustinov, Denis Podalydès,et bien d'autres. En Angleterre, il existe une version racontée par David Bowie. Pour vous, j'ai choisi la version racontée par Gérard Philippe. Pierre et le loup raconté par Gérard Philippe: You tube: https://youtu.be/UIuvUZ-aGkk?si=hg-ApgD6cnzJ2XBI Pierre et le loup raconté par Harold Kay ( version Disney ) https://youtu.be/SwPVfmBuz-0?si=iHoLLQIeOlRf253m Pierre et le loup, dessin animé, raconté par David Bowie https://youtu.be/Va8Uz6MoKLg?si=L4I6G3KIxmdIwiqz Petits plus: des coloriages: Des podcasts: Radio France: Prokofiev Sergueï Prokofiev : 8 (petites) choses à savoir sur le compositeur de Pierre et le Loup (radiofrance.fr) PROKOFIEV Serge : actualités, biographie, œuvres du compositeur sur Radio Classique Chers lecteurs, belles écoutes. Partagez ce conte avec vos enfants, vos petits enfants, votre famille . Je vous souhaite de passer une belle fête de Noël .

Marie Antoinette, portrait à la rose, Elisabeth Vigée Lebrun, 1783 Chers lecteurs, j'espère que vous allez bien et que mon dernier article vous a plu. Je ne sais pas si vous avez remarqué mais le blog a changé. Eva, la technicienne du duo, mon ange gardien en informatique, a refait le design du blog. Il nous manque juste le rouge pale qu'elle va remettre dans les jours prochains. Un grand merci à elle pour sa patience et son implication dans ce blog. Sans elle, il n'existerait pas.( Je sais que je vais la faire râler pour ces phrases !!! ) J'ai cherché de quel sujet j'allais vous parler aujourd'hui. C'est bientôt Noël mais c'était un peu tôt pour moi. Néanmoins, le sujet est déjà prêt et je vous le posterai la semaine prochaine. Mais je voulais tout de même que le sujet d'aujourd'hui soit dans la magnificence, le plaisir et la beauté. En regardant mes anciens cours, je suis arrivée sur celui de Marie Antoinette et la musique. Je me souviens que lorsque je l'ai fais, j'y avais pris beaucoup de plaisir et j'ai été fort étonné de découvrir que cette femme que l'on disait frivole, sans grand esprit était en fait une femme moderne, cultivée, et un peu dans l'esprit des Lumières du 18ème siècle. Marie Antoinette est la benjamine de la famille Royale Des Habsbourg-Lorraine, Archiduchesse d'Autriche. Elle a reçu durant toute son enfance une éducation artistique, intellectuelle, cotoyant de grands compositeurs, de grands artistes. Lorsqu'elle arrive à la cours de Louis XVI, elle est déjà une mélomane confirmée qui préfère de loin la musique moderne de Christoph Willibald Gluck avec qui elle a apprit et jouer des instruments que la musique de Jean Baptiste Lully et le Baroque qu'elle juge trop vieux. Gluck au piano-forte, Frédéric Villot, Paris, Musée Eugène Delacroix. Dans ses bagages, il y a sa flute traversière et surtout sa harpe dont elle joue merveilleusement bien. Marie Antoinette chante aussi et sa voix est souvent décrite dans les chroniques de Versailles comme " mélodieuse et claire comme du cristal ". Harpe de Marie Antoinette, J-H. Nadermann, 1775, Château de Versailles Elle va imposer à la cour de Louis XVI sa façon de concevoir la musique et surtout son partage. En cela, elle entre dans l'esprit des Lumières , même si pour elle le partage se fait surtout avec ses dames de compagnie, sa cour proche , mais aussi parfois avec les gens de son service. Marie-Antoinette jouant de la harpe, par Jean-Baptiste Gautier d’Agoty, 1777. C'est un portrait un peu académique que ce tableau mais il reflète tout de même bien le plaisir qu'avait Marie antoinette de jouer et de faire de la musique avec ses dames de compagnie. Son compositeur favori en France va être André Gretry ( 1741-1813 ). Elle compose avec lui et surtout chante les airs de ses opéras-comiques. L'amitié à l'épreuve ( 1770 ) , ouverture, André Modeste Gretry orchestre de Bretagne https://youtu.be/SUKpVVwLUmQ?si=SKI4_1m6Hlt4QP9L A coté de Grétry, un autre compositeur à les faveurs de la reine , Jean-Paul Egide Martini ( 1741-1816 ). Il est souvent invité par la Reine à participer aux après-midi musicales du Moulin du Hameau dans le parc de Versailles. Il chante, elle l'accompagne à la harpe. Il compose des airs spécialement pour ces moments. Marie Antoinette lui demande également des petites pastorales, des petits opéras qu'elle joue, entourée de sa cour, de ses moutons, et de son personnel. Plaisir d'amour, Jean-Paul Egide Martini. https://youtu.be/g7mpEatLGks?si=go2SplaDb5L9NwAG En dehors de son hameau, la Reine aime aussi à jouer la comédie avec ses amis intimes, comme M. le Comte d'Artois. Au bout du parc du Trianon, une jolie salle de spectacle a été construite par Richard Mique, premier architecte du Roi. Il fut inauguré le 1er Juin 1780 . On le considère comme un Opéra de Versailles mais en mignature. Il fonctionnera Cinq ans durant. Petit théâtre de la Reine, Versailles. Rien n'est assez beau pour ces spectacles. Ni les costumes, ni les décors. Souvent, la journée se termine par un goûter, voire un souper où les mets se succèdent. Tout ce faste, ces dépenses, ne sont pas bons pour la reconnaissance de la Reine par son peuple. Celui-ci ne mange plus à sa faim. Les récoltes ont été catastrophiques. Le Serment du jeu de Paume , la prise de la Bastille, l'abolition des privilèges , la Déclaration des Droits de l'Homme et du Citoyen amènent un climat d'anxiété à Versailles. Le Roi et la Reine sont gardés par plusieurs corps de troupe pour assurer la sécurité du château. La Reine n'entend rien à tout cela. Le 6 Octobre , un banquet somptueux est organisé dans l'opéra de Versailles. On y joue des airs de Grétry à la gloire du Roi et de la royauté. Les mets sont servis sans restrictions. Le banquet est présenté comme une orgie décadente et contre- révolutionnaire. Orgie des gardes du corps dans la salle de l'opéra de Versailles, le 1er octobre 1789 BERTHAULT Pierre-Gabriel, Le Louvre, Département des Arts graphiques Versailles ne s'en remettra pas. Les femmes de Paris qui ont marché sur le château n'attendent que l'apparition du Roi et de la Reine. Il faudra attendre le matin du 6 Octobre pour que la famille royale parte pour Paris. En montant dans son carosse, le Roi dit à M. de La Tour du Pin : " Vous restez maître ici. Tâchez de me sauver mon pauvre Versailles. " C'en est fini de la royauté. Versailles dormira pendant la Révolution. Plus de musique ne résonnera avant quelques années. Petits plus : Voici une nouvelle rubrique pour encore découvrir des éléments sur cette période. La musique à Versailles, Olivier Baumont, Paris, Acte Sud / Château de Versailles/Centre de musique baroque de Versailles, 2007. PODCASTS: Marie Antoinette, une reine bien musicale. Podcast de radio France https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/musicopolis/marie-antoinette-une-reine-bien-musicale-1928130 Marie Antoinette, elle connait la musique, podcast de Radio France https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/sans-oser-le-demander/marie-antoinette-elle-connait-la-musique-8198232

Chers lecteurs, me voici de retour après un moment d'absence. Le Covid étant passé par chez moi, je n'arrivais plus à réfléchir. Enfin, Le voici éradiqué et comme je vous en avais parlé voici quelques précisions sur les instruments de musique à la Renaissance. Pas question de parler de tous les instruments. Il y en aurait bien trop. Le Moyen Age a été le moment où beaucoup d'instruments ont vu le jour; mais aussi , le moment de moderniser ceux hérités de la Grèce antique. Nous allons comme souvent nous servir de la peinture pour voir quelques instruments joués et modernisés à la Renaissance. Apollon et les muses, 1570, Maarten de Vos ( 1532-1603 ), Huile sur bois, Musée d'Art Ancien, Bruxelles. Ce magnifique tableau est un condensé des instruments utilisés à la Renaissance. De gauche à droite nous trouvons donc: La lira da Braccio, L'épinette, Le tambourin, ( en dessous ) le cistre, ( A coté du tambourin )la flute traversière, Apollon tenant une lyre, en dessous de lui une muse tenant une pochette, au dessus d'elle, une chanteuse, à coté, cachée une joueuse de Harpe et enfin totalement à droite, une joueuse de Luth. Finalement, l'orchestre parfait. Il ne manque qu'un instrument très en vogue à la Renaissance et au 17ème siècle, la viole de gambe. La voici: Les 5 sens, l'ouïe, V. 1638, Abraham Bosse ( 1602-1676 ), eau-forte, Tours. A droite, la viole de gambe et au centre de l'illustration, le luth. Pour cette fois nous parlerons des 4 instruments les plus utilisés à la Renaissance: La lira da Braccio ( le lire de bras ) Le Luth L'épinette La viola de Gamba ( la viole de jambe ) Tous des instruments à cordes représentant les deux familles, à cordes frottées, à cordes pincées. Prenons en premier, l'instrument qui fait " râler " tous les professeurs de musique lorsque les élèves parlent de son descendant : l'épinette. Instrument à cordes pincées et à clavier, elle peut aussi se nommer le Virginal en Angleterre. Ses cordes sont pincées par un bec posé sur un sautereau qui se soulève lorsqu'on appuie sur une touche. Bien souvent placé sur une table, il permettait aux jeunes filles de bonne famille de pratiquer cet instrument dans leurs appartements et plus particulièrement dans leurs chambres. La puissance n'est pas forte. Et il est impossible de faire des nuances. Les compositeurs vont donc composer des musiques qui seront " ornementées " par une multitude de petites notes pour remplacer les différences de nuances. Le clavecin va être son descendant direct. Et en aucuns cas, je dis bien en aucuns cas le piano. https://youtu.be/bNmMKMXV2rE?si=gkYJ8d4Vz_eCrWHW " l'herba fresca " , Intabolatura nova di Balli ( Venise, 1551 ) Cette épinette est de facture moderne, preuve que cet instrument n'a pas disparu. Puis, le luth. Lui aussi, instrument à cordes pincées par les doigts. Surtout pas frottées par les doigts. C'est un instrument que l'on trouve que l'on trouve tout d'abord en Perse. Son nom est l'Oud ( ou Ud ). On le trouve en Espagne dès le 14ème siècle et va se développer en Europe avec les différentes guerres. Si l'oud est un instrument assez volumineux et aux sonorités amples, le luth européen va se réduire un peu en taille. La caractéristique de ces intruments réside dans leur fond bombé et leur manche cassé. En général, se sont de beaux instruments travaillés avec des matériaux nobles, voire précieux tels que l'ivoire. Le luth va être l'instrument " phare " du Moyen Age jusqu'à la fin du 17ème siècle. Ieva Baltmiskyte plays Frog Galliard by John Dowland (renaissance lute) - YouTube https://youtu.be/bx6PWnpSyOk?si=BbrdVcDhtWpLzM3l Nous restent les deux instruments les plus célèbres de la Renaissance et du 17ème siècle: La lira da Braccio, qui va devenir en 1550 le violon; et la viola da Gamba, qui est l'ancêtre du violoncelle. La lira da braccio est instrument à cordes frottées par un archet. Son corps est beaucoup plus grand et trapu que le violon. Son son est assez ample mais son poids ne permettait pas la même aisance dans la virtuosité que son successeur le violon. Souvent très ornementé par des figures ou des scènes de la vie , cet instrument est souvent attribué à Orphée dans les tableaux. Son archet est bien plus court que le violon. Lira da braccio, Giovanni d' Andrea, 1511, Vérone March after Lars Päng, Skåne, played on Lira da braccio - YouTube https://youtu.be/X3krWTDVtBU?si=f1r8Eac5QJsnM4JZ Enfin, la viole de Gambe. Remise au gout du jour par le film Tous les matins du monde, la viole de gambe est l'instrument certainement un des plus important de la Renaissance et du 17ème siècle. On dit de lui qu'il imite la voix humaine. Son répertoire est impressionnant. Nous aurons le temps de reparler de lui un peu plus tard. De grands compositeurs vont se spécialiser dans cet instrument tels que Marin Marais et Sainte Colombe. Son jeux de cordes est double: certaines peuvent être appuyées par les doigts sur la touche et d'autres ne peuvent être touchées et résonnent par " Sympathie " , c'est à dire que la fréquence d'une corde " amie " va mettre en vibration une corde qui ne peut être jouée par les doigts. C'est un instrument merveilleux qui aura le violoncelle comme descendant. Trois éléments peuvent vous permettre de ne pas vous tromper entre ces deux instruments: La viole de Gambe possède à la place de la volute du violoncelle une tête de femme ou de cheval. On tient la viole de gambe entre les jambes, alors que le violoncelle possède une pique qui le tient au dessus du sol. L'archet de la viole de gambe se tien main en dessous alors que l'archet du violoncelle se tien par la main au dessus. Jordi Savall. Les voix humaines - YouTube https://youtu.be/ylpOO-7cyt0?si=BVrY8SvjCM4hwPRa Le prélude du Sieur de Marchy Voilà chers lecteurs, ce post est un peu long. Mais comment ne pas expliquer un peu ces instruments que l'on voit parfois en concert. Profitez de la musique. N'hésitez pas à m'envoyer via la newsletter vos questions. je me ferai un plaisir d'essayer d'y répondre. Juste pour le plaisir, voici un petit morceau pour entendre ces merveilleux instruments tous ensembles. Improvisations on Folia Rodrigo Martinez 1490 c Jordi Savall Hespèrion XXI - YouTube https://youtu.be/T8iX7xIWm_s?si=_jrBtNks3WuwYVye La folia, Rodrigo Martinez, Hesperion XXI Bonne soirée.

Chers lecteurs, cette fois notre machine à remonter le temps va nous transporter jusqu'au XVIème siècle. La Renaissance. Il est vrai que ce siècle va être une véritable bouffée d'air pour les arts. Les dernières années du Moyen Age n'ont pas été très favorables à ceux-ci. Pourtant techniquement, il y a eu des avancées et pas des moindres. Jusque là, la musique se joue à l'unisson. C'est à dire une même note que tout le monde joue ou chante. Bon, c'est joli, mais au bout d'un moment, ça peut devenir lassant. A partir du XIVème siècle, on va commencer à écrire la musique pour plusieurs voix qui chanteront ou joueront des notes différents en même temps. C'est ce qu'on appelle la Polyphonie ( poly: plusieurs, phonie : sons ). Et là c'est un monde merveilleux qui va s'ouvrir pour tous les musiciens. Imaginez un orchestre symphonique ( 81 musiciens tout de même qui jouerait les mêmes notes tout le temps ensemble ). Bine évidemment, cela ne va pas se faire en deux jours. Vous vous doutez bien que cela va prendre du temps et surtout ne va pas aller sans des détracteurs. La notion de plaisir ne devait pas être évidente. La musique était sérieuse. ( S'il y en a parmi vous qui aiment Kaamelott du grand Alexandre Astier, je vous recommande vivement de regarder l'épisode de la quinte juste. Un vrai bonheur. ) Les noms de compositeurs commencent à poindre le bout de leur nez: Guillaume de Machault, Josquin des Prés, Guillaume Dufay. Qui n'a jamais écouté Milles regretz de Josquin des Prés ? C'est une merveille. Voici le lien pour vous remettre la mélodie en tête : https://youtu.be/8kCKsOT_gno?si=zMQPKGcFm1CnEKVc Les années avancent et avec elles vient s'installer la Renaissance. Epoque fastueuse, même si les guerres et les maladies font encore rage: la peste noire; l'invasion de l'Italie par les français; le sac de Rome par Charles Quint; 1515: la bataille de Marignan ( si, si celle-là même qu'on apprenait par cœur étant petit ) . Les arts vont très vite évoluer. Et dans tous les domaines: la littérature, la musique, les arts picturaux, la sculpture, l'architecture. Les notions de beauté et de plaisir sont les deux rouages de cette période. On ne veut plus souffrir du froid dans les châteaux où il n'y a pas de fenêtres, ou les longs couloirs sont mal éclairés. Où il n'y a pas de douceur. La femme, souvent laissé à la dernière place au Moyen Age, devient le soucis primordiale de la Renaissance. On écrit pour elle, on l'aime, on se tue d'amour pour elle. Dans toute l'Europe, il n'est question que d'amour courtois, de belles poésies, de belles musiques, de danses. Ah tient, de danses. On s'amuse donc aussi ? Mais oui et beaucoup. Quand les dames attendent leurs prétendants, elles écoutent de la poésie courtoise. Les poètes français se rassemblent sous la bannière de la Pléiade . On y trouve Ronsard, Belleau, de Baïf, Jodelle. Seul Du Bellay n'y prendra pas part. Et ces poètes inspirent les musiciens. Heureux qui comme Ulysse : https://youtu.be/1yI75QDF_8k?si=0XDJ62EUzxV3uRFI https://youtu.be/Awea70ukyso?si=yw3lfec-M8SZFWBB Mignonne allons voir si la rose, Ronsard : https://youtu.be/tbfO8les0v8?si=EE3i3OtAUpyaQFyp Et quand les prétendants sont là, au château, pour les bal et le repas, elles dansent . Scène de Bal, Peintre flamand travaillant en France, dernier quart du XVIème siècle, huile sur toile, 94x155cm, Blois, Musée du château, inv. 872.3.2 Que penser de cette scène ? Les musiciens sont installés en hauteur pour que le son de leurs instruments soit bien audible. Ils jouent sur une estrade. Il y a des violons, violes de gambe, instruments à vents. C'est visiblement un bal aristocratique: les robes de ces dames sont très belles, dans du beau tissu, ornées de dentelles. Les bijoux sont de sortie. Les messieurs portent les pourpoints, hauts de chausse, collants et chaussures à bout pointu. La danse parait enlevée et dynamique: c'est une gaillarde. le pas sauté de la dame le montre. Voilà donc la musique : Gaillarde Napolitana, Antonio Valente ( ca 1530-1585 ), Hesperion XXI, Jordy Savall à la viole de gambe https://youtu.be/C7HCX-KyOi0?si=tMJRnM1lBF32HiTr (Je vous invite à bien regarder la vidéo vous allez voir des instruments d'époque.) Mais voilà danser une gaillarde fatigue. Il faut donc alterner les vitesses ( le tempo ) des danses. Il y en a une qui est particulièrement intéressante. Ecoutons la en premier lieu. La passacaille d'Antonio Falconiero ( ca 1585-1656), Hesperrion XXI, Direction Jordy Savall https://youtu.be/Mm6y-rI-7f4?si=ZkunfwjQjpUhCCHl C'est une musique lente, obsessionnelle, pour un quintette ( 5 instruments ). Son nom la passacaille vient d'Espagne. Pasar : passer; la calle : la rue. C'est donc à l'origine une musique destinée aux processions religieuses. Pas du tout une musique de danse. Et pourtant elle va être très en vogue à la Renaissance car elle permettait comme la Pavanne de montrer ses beaux atours. Procession sur la place San Marco, Gentile Bellini, Galleria dell academia, Florence. Voilà, chers lecteurs, se sera tout pour ce soir. Il y a matière à écouter et voir. Le prochain post sera sur les instruments que nous avons écouté aujourd'hui. Bonne soirée.

La sultane bleue, Léon Bakst, 1910 . Costume du ballet Shéhérazade de Rimsky -Korsakov, Crayon, gouache et or sur papier " ....L'ainée, Shahrazade, avait lu des livres , les annales, les légendes des rois anciens et les histoires des peuples passés. On dit aussi qu'elle possédait mille livres d'histoires ayant trait aux peuples des âges passés et aux rois de l'Antiquité et aux poètes. Et elle était fort éloquente et très agréable à écouter. ..... " Les mille et une nuits, contes traduits par Joseph Charles Mardrus, Edition Robert Laffont, collection Bouquins, Paris, 1989 . C'est ainsi que commence un des textes les plus utilisé dans les arts. La musique, la peinture, la danse, la sculpture, les costumes. Au 19ème siècle, un des thèmes favoris des compositeurs va être les contrées lointaines, les voyages. Beaucoup s'inspire des écrits récents ou anciens pour imaginer des musiques exotiques. Les composteurs venus de l'est , la Russie, la Tchéquie, la Pologne vont attirer particulièrement le public français. Les mélodies traditionnelles, sinueuses, langoureuses , vont permettent aux mélomanes de voyager sans prendre le train, ni le bateau. C'est le cas du compositeur Russe Nikolaï Rimsky-Korsakov (1844-1908). Il fait ses études à l'Ecole de marine de Saint Pétersbourg. Très doué en piano et en composition, il est partagé entre son service d'officier de marine et la musique. Pédagogue, chef, d'orchestre, compositeur , il est surtout connu pour avoir fondé en 1861 le Groupe des Cinq avec 4 autres compositeurs et amis, César Cui, Balakirev, Borodine, Moussorgsky. L'amour de la musique traditionnelle, les personnages , les vieux contes, les rites slaves vont particulièrement les influencer. Mais aussi le romantisme de l'Orient et les thèmes des légendes fantastiques se retrouvent dans leurs compositions. C'est le cas avec Shéhérazade de Rimsky-Korsakov. Ecrite en 1888, c'est une suite symphonique qui se fonde sur les contes des mille et une nuits. Elle est créée le 3 Novembre 1888 à Saint-Petersbourg. Le règne du Tsar Alexandre II n'est plus en place depuis 1881 . A l'origine, Rismky- Korsakov ne voulait pas de titres évocateurs pour chacun de ses mouvements. Mais cette composition fait partie de la musique à programme, nouveau genre du 19ème siècle. Lorsque le public prenait sa place de concert, on lui donnait également un programme où l'histoire de ce qu'il allait entendre. Dans le cas de Shéhérazade, se sont bien sur les contes des mille et une nuits. Rimsky Korsakov décide donc de donner 4 titres pour chacun des mouvements: 1 la mer et le vaisseau de Sinbad 2 Le récit du Prince Kalender 3 Le jeune Prince et la jeune Princesse 4 Fête à Bagdad - la mer Le vaisseau se brise sur un rocher surmonté d'un guerrier d'airain. Chacun des mouvements débute par un solo de violon, très mélodique et langoureux. Il s'agit de la voix de Shéhérazade. Celle-ci " chante " qu'elle va raconter une histoire. Souvent l'ensemble des cuivres lui répond d'une manière un peu violente et très forte. il s'agit bien sur du Sultan . A chaque mouvement, une partie de l'orchestre est choisi pour évoquer les éléments, le caractère, les péripéties. Richard Wagner, en ce sens, a beaucoup influencé Rimsky-Korsakov. Le principe de leit-motiv est constamment présent dans ses compositions. Ecoutons donc Shéhérazade : https://www.youtube.com/watch?v=MpZ7jLpA5yg C'est Serge Lifar, chorégraphe russe , qui va créer le ballet de Shéhérazade selon les indications de la musique de Rimsky-Korsakov en 1910. Ill travaille principalement avec les Ballets Russes dirigés par Serge Diaghilev . Les ballets russes sont célèbres à Paris. Le danseur étoile est Nijinsky. On le dit capable de faire des bonds qu'aucun autre danseur n 'a jamais fait. Le fait est que NIjinsky est un danseur au conceptions de la danse très moderne. Il veut que le danseur étoile soit à l'égal de la danseuse étoile ou Prima Ballerina. Il n'aime pas les portés, même s'il a une force incroyable. Et pour lui, les rôles de danseurs doivent pouvoir exprimer à la fois les sentiments mais aussi avoir une grande capacité physique. C'est donc à l'opéra Garnier que Shéhérazade sera dansée. Cette production sera l'oeuvre de plusieurs artistes, travaillant de concert. On donne donc au Peintre, décorateur, costumier Léon Bakst toute la partie des costumes et des décors du ballet. Il va grâce aux couleurs, aux profusions de tissus, de pierreries, redonner aux spectateurs, le faste des grand pallais orientaux. Les costumes sont richement brodés, les parures et les coiffes qui vont influencer la mode parisienne sont réalisées par le couturier Poiret et le bijoutier Cartier. Les portes sont en bronze, or et argent. Le peintre Maurice Denis dira en découvrant lors de la première : " voilà de la couleur, voilà de vrais décors ". La première est donnée le 4 Juin 1910 à l'opéra de Paris. la foule se presse sur les marches. Les ballets russes attirent toujours du monde. Mais lorsque le rideau de scène s'ouvre lentement, les spectateurs n'en croient pas leurs yeux. Tou est profusion, les parfums , les décors, les danseurs et la musique les emportent dans le harem du sultan ou Shéhérazade lui raconte tous les soirs une histoire nouvelle. Serge Diaghilev en 1911 Michel Fokine

Le sacre du printemps - Igor Stravinsky En ce soir de Mai 1913, la salle du théâtre des Champs Elysées est illuminée de mille feux. C'est la première d'une nouvelle création du compositeur Russe Igor Stravinsky ( 1882-1971 °. C'est un ballet. La troupe de Serge Diaghilev est à paris depuis quelques jours et son danseur vedette Nijinsky, est la personne qu'il faut croiser. Les Ballets Russes sont très célèbres dans l'Europe entière. Leur façon de danser est totalement nouvelle. Les danseurs et les danseuses viennent des théâtres impériaux russes. Ils trouvent à Paris leur consécration mondiale. Leur impresario est Serge Diaghilev. Il sait s'entourer des grands chorégraphes, tel que Fokine. Pour Diaghilev l'art de la danse doit être un spectacle total. Argument, décor, costumes, musique continuent u n ensemble esthétique qui forme le ballet. Diaghilev veut faire éclater les cadres de la danse pure et la mélanger avec les autres arts. Le ballet devient la synthèse des tous les moyens d'expression, musique, poésie, art dramatique, arts plastiques. Cette réforme du ballet ne sera possible que grâce à la culture de Serge Diaghilev qui en mélangeant les époques, les styles, les arts des différents pays influencera l'art moderne. La culture tombe dans le domaine du public: les femmes cherche les motifs vus sur les costumes et les intégrer dans leur garde-robe. L'orientalisme très à la mode à cette époque s'invite dans les foyers de la bonne société et influence les artistes de l'époque. Diaghilev est aussi un merveilleux découvreur de talent . La bonne société se presse donc ce soir du 29 mai. Il se dit que ce Sacre du Printemps est un nouveau mode d'expression de la musique moderne. Ce soir de première, la foule se presse pour entrer dans le théâtre. Les femmes ont sorti leurs plus belles robes et les messieurs leurs costumes . Il n'est pas rare de croiser des princesses russes célèbres qui viennent retrouver un peu du faste de Saint-Pétersbourg. Enfin, la salle est comble. Le bruit se calme enfin. Igor Stravinsky, le compositeur et chef d'orchestre se concentre dans les coulisses. Il sait que son œuvre va changer le cours de l'histoire de la musique. Il y aura un avant et un après du Sacre. Les répétitions ont été un peu difficiles. Certains danseurs ont eu du mal avec la rythmique de certains passages. Pour d'autres, les costumes, les décors les ont déconcerté. Mais dans l'ensemble, et grâce à Nijinsky, qui est pourtant exigeant, tout s'est bien terminé. L'orchestre est installé dans la fosse d'orchestre. Le hautbois donne le la à tous les autres musiciens. L'accord doit doit être impeccable. Les lumières de la salle s'éteignent. Stravinsky respire, se redresse. Pierre Monteux, le chef d'orchestre entre, le public applaudit. Il salue , se tourne vers les musiciens, lève sa baguette. Le son du hautbois résonne dans la salle. les rideaux s'ouvrent. Le Sacre peut commencer. Le résultat n'est pas celui attendu par le compositeur. Le public ne comprend pas tout à cette nouvelle musique. La création du Sacre va créer un énorme scandale. Le public siffle, s'invective. Certains ne comprennent pas la danse ni la musique. D'autres sont debout pendant l'exécution tellement la rythmique les attirent. C'est une œuvre hors de l'histoire et des genres musicaux. Le Sacre est une nouvelle vision musicale : c'est une " création" au sens le plus étroit du mot. Stravinsky ne va pas s'inspirer de la Russie au sens propre; La plupart des thèmes entendus sont totalement créés par le compositeur. Il veut donner une certaine idée de la Russie, la sienne, qu'il va déformer pour arriver à montrer son archaïsme. La rythmique du Sacre est trop nouvelle pour que les jeunes compositeurs s'en inspirent vraiment. pourtant ,ils savent qu'ils ne pourront plus écrire de la musique comme avant . La forme primitive de ce rythme est très forte et entraine l'auditeur vers des contrées trop lointaines et méconnues, l'Afrique par exemple. Il n'en reste pas moins vrai que le Sacre du Printemps reste l'oeuvre la plus novatrice de ce début de siècle. Sa force primitive, son rythme trépidant attire immédiatement l'attention de tous les contemporains de Stravinsky. En 1965, Maurice Béjart, chorégraphe mondialement connu, s'attaque au Sacre. Comme la première fois qu'il a été donné, le Sacre déclenche un raz de marée. Béjart reste dans la lignée du maitre et des chorégraphe du début de siècle. Il va encore accentuer le décalage avec le ballet classique : plus de décors, plus de costumes. Juste des collants couleurs chairs et des juste au corps. Les postures reprennent celles de Nijinsky. Les puristes du ballet classique n'en croient pas leurs yeux. Ils ne comprennent rien à ce qui se déroule . Plus de code, plus de postures classiques. C'est un feu d'artifice mêlant la musique à la danse. Le début du monde. Sans rien de plus. Les réactions sont sans mesure: on adore ou on déteste. Aujourd'hui encore, cette mise en scène du ballet du Sacre reste la référence. Maintes fois reprise dans les postures des danseurs et de la mise en scène. En conclusion, laissons la parole à Pierre Boulez, directeur de l'IRCAM , chef d'orchestre et compositeur dans son livre Relevés d'apprenti, édition du Seuil, Paris, 1966 : " Remarquons qu'il est peu d'œuvres au cours de l'histoire musicale à pouvoir se targuer d'un tel privilège : n'avoir pas quarante ans après, son potentiel de nouveauté épuisé . Disons qu'ici cette nouveauté est sur le plan unique, celui du rythme : mais même avec cette restriction, cela représente une somme d'invention et une qualité dans la découverte fort enviables . "